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当年克林特伊斯特伍德老爷把金棕榈叶给了昆汀达伦蒂诺的时候，保守派惊呼电影流氓的时代呼啸而来了。一群小流氓叨逼叨的结构主义表达了一种现代性的虚无，各种口水和马屁蜂拥而至。这个电影影响了多少尚处在萌芽状态的当代中国影迷，我不知道。但是低俗小说成为了文艺青年装逼必看的第一课，直到今天这部电影的地位也没有被动摇。

于是，无数想拍出一部中国低俗小说的有志导演们开始绞尽脑汁。刀见笑，就是这样一部由中国特色古典主义狂欢的低俗小说类型片。

影片的故事主线是由一把玄铁菜刀串联起来的，这些江湖恩怨的故事前前后后长达好几十年。导演采用了低俗小说的多角度结构，但是个人认为他比较失败的地方，是让张雨绮的这条妓女从良的线索充当最后的高潮。可是这个高潮却不够有力，因为之前的俏江南桥段早就把高潮给抢去了。

影片最出彩的，我觉得还是俏江南那一段。贪吃的公公来自千与千寻，哑巴做菜来自梦之安魂曲，儿时回忆的动画来自一些台湾MV什么的。俏江南的桥段故事虽然老套，但细节较为新颖，人物造型方面也很加分，紧张时刻的渲染大有黑天鹅一般的以假乱真的气场。最后公公掉进粪坑而死的地方乃是神来之笔。如果影片走到这里如果能够画上句号，基本就完满了。哑巴的复仇最后成了一场空，神厨的预言成真，千万次的铺垫和设计却是一场虚无。将这一部分作为影片的结尾，前面的高潮很到位，最后收住的地方余味无穷，何乐而不为呢？所以我觉得影片的开场所展现出来的导演实力，在片尾的地方留下了遗憾。

当然作为一部商业影片，最后的大团圆结局有时也是无可奈何的选择。可是在经历了前面那么多血雨腥风之后，谁还会关心一个杀猪的到底有没有赢得当红名妓的芳心呢？在最后一分钟的决斗里，一把换来换去的菜刀重复了之前使用过的炼铁的把戏，让人一下子就感觉出来导演是不是有些黔驴技穷了。

影片在摄影美术音效等技术方面下了很大的功夫，特效制作也达到了精良的感觉。导演想方设法使用多种调度手段，动画MV等等来刺激观众的观感。但是不得不说，对于前半部分还没有展开的故事来说，这些方法没有起到缓解困倦的效果。总的来说就是展开的太慢太罗嗦。对于这样一个有点复杂的故事来说，导演在前面玩的花活过多，扎实的铺垫过少。而到了中间的时候线索人物都清晰明了了，剧力达到了最高点，但是高潮过早的过去了，剩下的垃圾时间还很长。

影片的卖点之一是当年的济公游本昌，可惜基本没看出来他是哪一个。张雨绮作为花瓶放在海报的头一号，有挂羊头卖狗肉的嫌疑。两个话剧演员和那个日本演员担纲主角，基本能撑得住场面。最后我想说，这个片子实在没有任何值得回味的营养成分，纯粹打发时间。有的地方硬咯吱你笑，你就给个面子凑合笑两声，也算是尊重在里面大呼小叫熬夜拍戏辛辛苦苦的演职人员们。谢谢。

中国电影很少有对于世界终极问题的探讨，于是我们眼巴巴的看着人与神这样的电影成为法国奖项和票房现象级的影片而同时感到自卑。该片气场如罗伯特布列松般虔诚，结构如迈克尔哈内克般简约。影片在各个方面的优异让法国电影在当年没有完全被泰国金棕榈大片能召唤前世的布米叔叔抢去了风头，并在恺撒奖上横扫千军。

乡村牧师日记

本片讲述了1990年代在阿尔及利亚的法国修道士的被伊斯兰教极端分子绑架杀害的故事。影片站在了法国修道士的角度，较为中立和客观的呈现了这一事件。影片的重点段落集中在修道士们被绑架以前，他们的生活状态和对于是否需要撤退的辗转态度上。

这群在伊斯兰教地区扎根的修士们是带着使命来的，他们在此地自力更生，治病行善，与当地的群众百姓关系良好。他们的敬虔生活稳定而扎实的构成了影片前十几分钟的内容。山区田园的风光，村民淳朴的气息，以及修道士们的宗教仪式，在影片中用一种极为平和安稳的方式呈现，让观众在开篇的段落静下心，正如布列松乡村牧师日记所描绘的牧师生活一样气定神闲。

狼族时代

突如其来的暴力和混乱让村里的所有人都陷入恐慌，军方和政府也来向修道士们提供保护。然而在修道士们的世界中他们与神在一起。正如有一场直升飞机的戏。修道士们用赞美诗的声音盖过了直升飞机的轰鸣，在我看来这是导演意思非常明显了。

暴力分子的行动如末日一般，几个修士的第一次投票还有很多人决定想要离开这里。然而在一些经历过后，所有人都选择了留下。他们的原因也许各自不同，但是无疑这一决定会把他们引向殉道牺牲。

牺牲

无数伟大的欧洲顶级大师拍摄过这一题材。牺牲和殉道是最好的，能够反映人与神关系的故事题材。当人与神的界限不可跨越，只有十字架的牺牲可以挽救时，死亡也就不再是障碍了。

这群修道士的最后殉道也是这样。他们所效法的是基督耶稣的死。他们在这一敏感地区的修行，是必须用死亡来结束的。他们的最后殉道，导演采用了现代化的手法来表现：一切都在浓雾之中。字幕告诉我们，他们到底被谁所杀，到现在都是不得而知的。而这群如此虔诚的人最后为何是这样的命运？我想身在信仰体系之外的中国人似乎很难理解。

上帝在沉默，让人自己选择。在这样的末日征兆下，这部影片看得我心情十分沉重。

现在看，本文不算是影评。

我个人认为，观音山是一部具有划时代意义的惊喜之作。体制之内的中国内地电影，包括贾樟柯王全安王小帅等等的文艺导演，都还是在就事论事。贾樟柯的个别作品在电影的现代性上得到了一些认可，可是后来他还是玩起了浅景深和音乐煽情，不可抑制的丧失了自己作为电影作者的特色。体制外导演娄烨则一直坚持着自己的路线，只不过他的作品一直无缘内地大银幕。所以观音山的上映，把中国院线电影创作的现代性上提升到了一个新的水准。至于市场表现，影片的商业阵容也不会让大家失望。

现代性的模糊与暧昧

有看后的人说本片可以与李沧东的诗有一比，特别是张艾嘉在片中几近完美的发挥没有拿到影后奖座更是可惜。然而李玉导演虽然不及李沧东大师风范，但影片的气场和走向却神韵十足。影片所讲述的一群混迹社会的年轻人融入一个因灾难失去爱子的母亲的生活的故事，如果换成一个一般的导演中规中矩的讲述，估计会惨不忍睹。因为这样的故事出现在报章杂志上太多次，已经没人爱看。如果再把结尾做成母亲重新寻找到生活的希望，影片则会完全失去电影的观赏价值。而现在有很多国产电影正在这么做，把自己推向烂片的深渊。

而导演李玉则在苹果之后更进一步，个人认为本片比苹果好太多。诚然苹果所反映的当下中国社会的尖锐矛盾的确存在，而且现实情况估计还要更加惨烈。但是作为电影作品如果报以如此的态度来进行创作，那就和某些电视台法制栏目别无二致了。

李玉导演对于观音山故事电影化的创作大概集中在以下几个点。

首先是那群青年的人物设置。从故事上说三个人组成的小团体实际上只有一个人的功能，他们身上发生的事情完全可以集中到一个人身上来。但是导演并没有如此做，反倒采取了另外的一些手段将这三个人在影像上做了区分。比如选用范冰冰陈柏霖两人做主要角色，再加上了一个胖子作为次要角色。胖子的功能实际上只有插科打诨和添乱，故事推动上别无他用。而范冰冰和陈柏霖二人的暧昧关系在范冰冰诸多的吃醋桥段中也显得似乎不太重要。三个人各自的家庭线索从形式上也是松散的。范冰冰父亲的酗酒和陈柏霖父亲的再婚，是具有压缩空间的。

然而李玉导演反其道而行之。导演从现代主义的角度出发，用一些微妙的小细节将这个小集体的松散型做了整合。比如张艾嘉说，你们三个人同时说话太吵了。这句台词两次出现给三个人的合理性打了圆场。这三个人如果每一个人都力道分明，片子就会显得工匠气息浓厚。我认为在这个三人集体上导演的笔墨已经是驾轻就熟，戏份的编排不露痕迹，在随意性的记录中充满了变化。

然后是三人团体与张艾嘉戏份的平衡。影片的第一主人公应该是张艾嘉，然而这个人物却在开场很久之后才出现，而且神神秘秘遮遮掩掩的直到后面才揭露。观众想看到张艾嘉这个人物的背后故事，导演则用较为侧面和委婉的手法展现了出来。在两组人物的关系发展过程中，导演仅仅在前半部分，用极其有限的几个桥段里把两方拉在了一起。那辆停在车库的汽车作为最最重点的道具，每一次出现都是恰到好处。不过我还是认为有一个地方稍微多余，就是张艾嘉一个人趴在方向盘上哭。这场戏煽情略过，导演的恻隐之心显露过多。在张艾嘉出场后，三人团体并没有退居二线，而是依旧占据较大的篇幅，导演刻意回避了一心扑在主人公张艾嘉身上的做法，后退一步保持距离。

最重要的是影片的结局。有人说张艾嘉是跳下了山崖，也有说法是她翻然醒悟出家。个人认为导演暗示她跳崖的可能性比较大。故事在他们互相取得谅解之后走上观音山修庙的地方发生了转折，原本在人生伤痛中难以自已的张艾嘉在和僧人交谈的时候，好像表露出了释然的态度，但为什么最后还要选择走上绝路呢？这不是与故事逻辑相背离么？

其实从实际生活的逻辑上来讲，这种事情发生的可能性还是很大的。张艾嘉之前的自杀被救，完全是这三个年轻人的主动行为。张艾嘉与他们在观音山上的种种行为也许真的只是暂时的感谢。导演所采取的手法在我看来是非常高超的。她用非常生活化的场景和镜头语言让观众和三人组产生了一种能足够与张艾嘉贴近的感觉，好像这个人物的脉络非常清晰的映照在了范冰冰陈柏霖眼里。然而实际上她曾经所经历的打击对她所产生的影响，又绝对不是同处一室所能够了解和感同身受的，因为她所经历过的，没有别人能够体会。所以在生活距离的贴近感和情绪认同的陌生感所造成的反差上，李玉导演的把握非常准确。她所采取的切入角度不是全知全能的，而是含糊暧昧的。

正是这种含糊暧昧，让看似不清楚的结局在现代主义氛围的笼罩下显得回味无穷。现代电影的鼻祖公民凯恩，以及安东尼奥尼的作品也都在结局上具有类似的特点。观音山所作的并不新鲜，只是对于内地院线片来说，这是开创性的，可与太阳照常升起的结构主义相提并论。

灾难之后的信仰重建

观音山所充满的含糊暧昧并不影响它的温情和关怀。三人组旅行所到达的那个破败的观音庙，恰巧代表了张艾嘉遍体鳞伤的内心世界。我想，每个人心中都有一座观音山。一个原本有着信念的不被人知道的圣洁所在，被灾难毁坏。陈柏霖说，也许是地震。三个人在庙里的行动其实是无力的，他们无力修复这里。而最后能够给观音庙修复机会的其实还是张艾嘉自己。我想说到这里导演的意思已经很明确了。观音庙修复之后，张艾嘉选择在山上结束自己的生命，或者另一种说法她隐居去修行，都是一种回归，在经历了人生灾难后对于信仰的回归。也许影片在呼唤，当下信仰缺失的中国人应该重新找回自己的观音山。但是该片所展示的过程也还是非常惨烈的。两代人拿来做一比较就会发现这个过程其实是充满了各种艰难困苦，甚至要付出生命的代价。

我记得曾经在朱诺的影评当中假设说如果这个故事发生在中国会怎样。于是张作骥导演就给我们带来了中国人该如何面对少女早孕这个问题的版本。当然我这里所说的中国是中华民国。就影片表现的事件来看，当爱和朱诺具有以下几点可以对比来看。

首先是主人公的家庭背景。朱诺的家是中产，当爱里面的女主角来春家里也算是中产。两家人都是吃喝无忧，小有产业。两个国家对于中产生活的定义不同，但是相对比较的话还是有相似之处的。可是经济条件的相同并不能代表家庭环境的对等。来春家里的情况要比朱诺家里复杂得多。一大家子人住在一起，婆婆在金门去世之后留下了一个痴呆的叔叔，爸爸把他接过来台北一起住。爸爸的妻子不能生育，早年收留了一个女子为他生下了来日来春两姊妹。在影片的开篇她又为家里添了一个儿子，比女主角来春小十几岁。所以这就奠定了影片在家庭环境上的刻画注定和朱诺是迥异的。朱诺所面对的家庭基本上不构成矛盾冲突，而来春家里出了各种各样的状况，简直是一团糟。所以朱诺是独角戏，当爱是群戏。

其次是主人公们怀孕的结果都是生产，不过过程却截然不同。朱诺自己决定要把孩子生下来，于是父母也就让她生了。来春也想生可是家里不让并引发了很大的家庭矛盾。朱诺所面对的问题是如何解决生下来的孩子何去何从的问题，而来春则在纷乱的家庭纠纷中，被导演忘却了这件事情。一直到最后导演也没有说这个孩子到底怎么办。按照默认情况应该是自己留着养吧。

还有就是男人们。迈克尔塞拉这个看上去有点蔫坏无能的男孩在责任方面却给了朱诺一个惊喜，可是当爱里面的那个四处拈花惹草的男人却是个典型的不负责任上了床了事的反面典型。所以我觉得从这一点上我们就能够对两部影片的基调下不同的定义。朱诺是喜剧，当爱是悲剧。

这种简略的故事上的对比让我们发现张作骥是在用完全不同的角度，并且非常本土化的探讨了少女怀孕问题，并把这个问题放在了一个充满了喜剧矛盾冲突的家庭环境背景下。从立意上讲，如果做得好就是成功，如果没做好就是滥俗。因为这种事情太多了，不管是中国还是美国，大陆还是台湾，都市报纸还是知音杂志，谁都能想得到故事会如何发展如何结局。所以想从故事文本的角度上找到新的角度，确实不易。

我认为这部影片在技术上可谓毁誉参半。主要问题如下。

群戏时好时坏，导演输出不稳定。虽然我只看过张作骥的美丽时光，仅凭借此片的了解，我认为张作骥在群戏方面并不好，只能说水准一般。更准确的说，他是一个能够调动群戏场面但是仅停留在场面上的导演。群戏大师罗伯特奥特曼和杨德昌的群戏好在一个共同点上，那就是他们真正做到了超多人物庞杂叙事线索都拍的有条有理，场面调度无懈可击毫无破绽。而美丽时光只是在开头有一些人很多的场面，交代一下背景信息，后面的所有故事还是都集中在了两个主人公身上，并不是群戏。当爱来的时候中，来春的家庭背景如此之复杂，看得出来导演也很想把群戏处理好，但是也许是功力有限，还是有诸多遗憾。比如来日几乎是一个酱油角色，比如对痴呆哥哥的过重笔墨，我觉得影片人物和线索的主次有的时候有些本末倒置。痴呆哥哥的线索对于来春怀孕线索几乎没有帮助，除了搅局就是搅局，不像来春母亲的线索那样能够和怀孕环环相扣，达到两代人生育的对比效果。值得表扬的是阿公。导演反其道而行之，把阿公塑造成了一个处变不惊，反倒在面对挫折时能够劝慰年轻人的性格的人。

群戏的场面调度上也是好的好，坏的时候像学生作业。来春家饭店的处理，特别是最后黑道两派来饭店里谈判的那场戏让我找回了一点美丽时光的感觉。可是家里冲突最激烈的那场戏，就是来春在饭桌上和父母起了直接冲突，并在卧室里和母亲扭打辱骂这一场，虽然每个演员都发挥到位，但因为造型感戏剧感太过强烈而显得匠气十足，略显可惜。

张作骥用了来春的独白来贯穿影片，只是不知道为什么有太多地方音乐铺得太慢太过煽情，破坏了气氛。特别是影片的结尾，我觉得如果来春还在影片开始的地方生孩子，狗血就撒出来了，最后果不其然。本来一个能够绷得住的片子变成了蛋疼小清新，甚是可惜。

看的时候我总觉得张作骥的片子逃不开杨德昌的影子，可是如果说他继承了杨德昌的衣钵他自己也不愿意，更何况他没有杨德昌做的好。张作骥这一次想把爱的主题做的浓一点，可是着力点和技法上的不得力让他虽然得了金马最佳影片，却拿不到最佳导演。设想一下张作骥放下身段拍一部彻彻底底的商业片会是怎样一种情况呢？我想这一类导演最怕的就是拿不起放不下吧。

最后还要提到一部影片就是四月三周两天。当爱不管怎样还是用爱将一家人凝聚在了一起，其指向还是积极向上的，和朱诺算是同一类资产阶级自由化的糖衣炮弹。四三二却充满了黑暗与压抑，肃杀的气氛影射了罗马尼亚专制政府对人的摧残。我觉得大陆的电影人可以考虑翻拍，或者从本土化的角度进行类似题材的创作。

很久没看意大利电影，格莫拉之后发现这样一部充满古典艺术感的影片，看完后心里再起波澜。正如短评

所说该片是维斯康蒂附体，路易马勒翻版，蒂尔达温斯顿保驾护航。

1 华丽的衣服。

该片的主人公恰如维斯康蒂最爱描写的那些贵族。他们锦衣玉食，精神世界却重重危机。这些人的衣服对于不懂行的我来说，就是一个字，好看。特别是女主角的几套衣服和她的鞋子，包，都是奢侈品中精挑细选出来的。对于电影服装控来说无疑是今年必不可错过的一道大菜。

2 别致的情爱戏。

作为一个欧洲文艺爱情片，没有像样的情爱场面简直太那不出手了。女主人公身处深宅大院，当她走到乡间田野中寻觅到自己的所爱的时候，她的欲望也流淌出来了。

影片对于情爱场面的处理可谓既直白又典雅，让人毫无羞涩感。女主角吃到那个男人烹制的美味佳肴，便情不能自已。在千方百计的寻觅之后，他们在相视的第一眼就知道了彼此的需要。最令人印象深刻的，就是他们在田野里，在日光下的那一场。没有什么调情的桥段，一切都是自然而然的。导演在二人的动作特写之外不断的插入小草，昆虫，山野，天空等大自然的美景镜头，仿佛是寓意着女主角在这里找到了自己最天然的那一面。在摄影方面，这一段落的大量特写随意而又精确的捕捉到了人与自然的细节，纯粹的自然光线也被处理的那么灿烂和温暖，令人过目难忘。

3 蒂尔达温斯顿。

这位英国女演员在片中用意大利语和俄语演出，并且还要装作听不懂英语的样子。她对口音的把握堪比梅里尔斯特里普。每当看到她深情又不知所措的面对着即将崩溃的一切的时候，你会被她惊人的演技所折服。她没有法国女演员那么美艳，那是一种英国女演员特有的端庄之下的性感。她饰演的从俄国嫁来意大利，但在豪宅里压抑自己的贵妇，爱上了儿子的朋友，一个厨师。二人年龄和阶级的差异并不能阻挡他们。而且一直到最后，也是她自己向丈夫摊牌的。温斯顿在片中将最难演绎的那些爆发之前的真空和爆发之后的冷却状态呈现的入木三分，她没有大哭大闹，没有歇斯底里，这种等级的表演相比国内某些在金马奖项上来回纠结的女演员们不知高了多少个等级。

4 顶尖的视听处理。

影片的开头和结尾都是导演在视听处理方面有炫技嫌疑的地方。该片用复古的前置字幕作开头，多人多机位多空间多场面的超级复杂调度汲取了古典电影的精华，语言难以表达。其视点变化非常多元，主配角人物出场分明有序。不同于美国电影的剪接方式，看似正反打的镜头细看却有很多名堂。若要有人做拉片，千万不要放过这个机会挑战自己。

影片的结尾很特殊的采用了音乐大于画面的处理方式。导演把镜头对准了主人公身边的人，仅留下了极为有限的几个点在主人公身上，来表现她做最后决定时候的状态。话说很多文艺片导演都会在结尾的时候保持自己的克制，这种克制有时候会变成一种套路。我是爱一片中的结尾处理可以让很多学生导演借鉴，千万要谨记不要洒狗血。

隔了很久之后才看这个当年的火片，有种如获至宝的感觉。本来是想查查泰国电影的资料，发现此片并不像我原来想得那么白痴和花痴。今天再发该片的评论似乎已失去了时效性，想来可笑，那个时候看也未必能看懂。
看过该片才觉得中文片名翻译有偏颇。我觉得暹罗之恋这个名字好像是要引导观众聚焦在两个少年的懵懂感情上，但是影片的英文名中的love和影片描绘的多方面的情感却绝对不仅仅是恋爱这么简单。我觉得片名应该叫暹罗之爱似乎更加合适。
既然说的是爱，那人与人的关系建构就是推动剧情的关键。其实本片编剧是不错的，推进合理对仗工整，把有可能出现的与爱有关的都有覆盖了。我们来看看影片中出现的几条情感线索。

家有儿女
推动影片发展的最大动力其实是家庭线。Tong的姐姐失踪多年给家里造成的阴影是严重的。父亲的酗酒和母亲的焦虑以及家庭信仰的缺 失也让Tong有外人无法理解的苦衷。而Mew这一边，多年的零亲情生活让他寂寞孤独，这对于一个少年来说是极不利于其身心发育的。在一个没有爱的环境里 面，他的情感无处表达。虽然音乐事业看似成功，但是毕竟Mew还是一个没有成熟的孩子，不可能担当得了太大的社会责任。

Mew和Tong的街头偶遇其实并没有什么，过去也就过去了。真正让他们俩产生联系的是乐队经纪助理阿准。Tong是为了挽救自己的家庭而让阿准扮 演自己失踪的姐姐，而他的家庭责任感也让无家可归的Mew暗生情愫。在Tong的家里，妈妈，爸爸，姐姐和自己都是因为太强烈的爱而聚在一起的。爸爸没有 了女儿精神失常，妈妈为了爸爸操心受累，怕儿子像女儿一样失踪严加看管，Tong自己则一方面要照顾家人的情感，一方面又要面对自己心仪的Mew，左右为 难。受雇来扮演失踪姐姐的经纪助理对这份工作也是觉得来的怪异，逐渐介入别人的家庭生活却难以拿捏分寸，最后还是离开。

妈妈与雇用姐姐阿准的关系原本是清晰明了的，但是导演却采用了一些留白手法。关于阿准到底是不是阿美这件事情上最后也没有一个定论。阿准说自己来自 清迈与父母不和，妈妈就问她是不是编出来的。阿准对人说自己曾经失忆过，还说是电影剧情，这一点到最后也没有问出一个究竟。这个没有解开的悬念我个人认为 也是导演留下给最后的大主题的。

革命之路

在家庭线中戏份吃重的妈妈真是为了这一家人心力憔悴，但是她一直也没有失去对丈夫的耐心和关爱。做饭吃药陪护各方面都尽到了一个妻子所该尽到的责 任。女儿的失踪让父亲连年酗酒身体几近崩溃，妻子的不离不弃是一种能量巨大的爱使然。虽然夫妻二人在最后以眼泪和拥抱作为相互理解的标志，但是这也只是夫 妻线索圆满结局的一个征兆而不是实质。该片的夫妻关系线是融合在家庭线里面的，而且很多都是默默无言的眼神镜头，但是精准到位。比如Tong头一次去 Mew家里过夜，把手机落在了家里。妈妈非常担心夜里开车出寻，爸爸望着远处的车灯，眼神复杂。第二天早上妈妈发现儿子回来了，刚松了一口气准备回房，打 开门又看到了丈夫的复杂眼神。这两个表情真是尽在不言中，夸张的说导演的视线控制力堪比路易马勒。

两小无猜

影片重点描绘的是Tong和Mew的青涩纯洁和不明不白，但是同样重点的线索就是Mew的邻居女孩。这是一个典型的三角关系。从女孩的角度来说，贴照片送玫瑰买东西等线索都是青春期懵懂爱情的标签戏。而对于Tong和Mew的朦胧同志情感的刻画则是很多人关注该片的重要卖点，而导演采用的是下足功夫面面俱到的手法来表现。

Mew身边的环境相对简单，没有了家人的约束，习惯了朋友的嘲弄，出众的音乐才华，他简直就是一个文艺小受的典型形象。他唯一需要面对的就是想要又 得不到完美恋人Tong。他们在上课的时候人工呼吸，Mew把舌头伸出来的下意识细节无疑是导演的明确指向，即Mew很清楚自己的身份。所以看来他可以放 下一切一心在Tong身上。

而Tong则要纠结很多。他的传统家庭让他必须要做一个正常人，他还有交往的女朋友，周边的朋友也并不知道他的内情。面对给自己家庭帮助那么大，并 且对自己一往情深的Mew，他的选择就是推动二人关系发展的关键了。可是剧情的设置却把他置于了被动地位，一切的选择权都不在他自己。影片后半部分好像是 他妈妈让他做出了选择，但是他似乎心里已经有了答案。导演的这个流氓耍在了最后他见到Mew的那句话，我不能和你在一起，但并不代表我不爱你。所以最后 Mew这个文艺小受把那个极具象征含义的玩偶鼻子插进去的时候，他才痛哭流涕。

上帝之城

影片一开始就交代了Tong的家庭是基督教家庭。对于叛逆的青少年来说这好像不是什么好消息。影片讨论了上帝与人的关系，并且在最后从这个角度上达到了大团圆结局，我觉得是本片最值得深思的地方。

一个虔诚的家庭为何频频经历苦难？在妈妈的身上我们看到了一个女性，一个妻子，一个母亲对上苍提出的问题。有很多电影都探讨过此类问题，放在这样一部以青 少年同志小清新作为卖点的影片中，其实是需要编导莫大的智慧的。之所以最后Tong选择了没有和Mew在一起，其答案不管是因为挂在床头的十字架还是假扮 的姐姐走后他自己要面对家庭的责任，都是一种更大意义上的成全。实际上以前这个观念好像是更加西方化的，中国人所说的舍身取义是不是也有这个意思呢？

泰国古称暹罗。本片所展现的泰国人之间的爱的关系既没有太过理想和完美，也没有过于破碎和纠结。哀而不伤乐而不淫的气氛让人看后觉得很舒服。暹罗之恋如果 叫做暹罗之爱，名字更加大气，就像是泰国人情明信片一样，把暹罗国人民那种人与人之间的美好的关系传递给观众，比拍一些高楼大厦建设成就什么的更能够让观 众从国民性上体会到一个国家强大的人文力量。

洪尚秀的第一部作品猪堕井的那天讲述的是刑事案件，就算是走电影节路线也能让人从中嗅出一些商业气息。谁知道后来这哥们一步步的走向了旁门左道，片子越来越不卖钱。从一开始的社会阴暗面，慢慢转型为伦理探讨（处女心经），继而变为都市男女情感纠葛以及小知识分子中产阶级的意淫讽刺。结构上也从复杂向线性转变，回归生活流水帐。我喜欢他能够抓住生活中那些总是被人所忽略的细节和别人看来很冷的幽默。比如生活的发现里面那些四处都有的脚踏船，以及夏夏夏里面叫不出名字的花。洪尚秀的作品看似大同小异，其实中间出现了一些微妙的变化。本文就这些变化做一个小总结，观影乐趣还请观众自己看过才知其中奥妙。

与去年的作品你什么都不懂或叫做懂得又如何里面满屏幕的乌鸦飞过不同，这一次洪尚秀大发慈悲，让情感这东西带有余温，还加上了一条难得的亲情线索，再加上一直铺垫在下面的友情线，令人感怀。可以说，这种情感元素的大综合是他自己作品中前所未有的。以前的片子里面洪尚秀对于友情的描写非常非常的淡薄，很多时候还加上了不利元素，并且不加以修复。比如剧场前一片中，主人公遇到了从前的朋友。天气寒冷朋友的小孩咳嗽，他就把他的围巾帮小孩戴上。后来他要把他的围巾要回来，朋友却因此和他翻脸。还有在处女心经中，导演大人从日本买来的最新型摄像机被偷拿，也造成了朋友之间的不爽快。从前洪尚秀对男人之间朋友或同事关系的描绘总是充满了冷漠或不愉快。主人公在朋友之间似乎也总是孤立无援，在桌上聊天喝酒最后却总是不欢而散。可是到了夏夏夏里面，导演开门见山的就让两个男主人公喝酒叙旧，两人相见甚欢。聊起自己的旅程滔滔不绝。更令人深思的是这两个人的身份，导演和影评人。不知道导演和影评人有这么良好的关系是一种讽刺呢，还是洪尚秀生活的真实写照。这一笔的精彩程度不亚于昆汀在无良杂军或叫无耻混蛋里对那个搞砸了刺杀行动的影评人的描绘，不管是正面还是反面。我想，导演和影评人的关系就是这么纠结，如果导演是影评人出身，或者影评人曾经当导演，就更有意思了。

还得说说亲情线索，这是我从来没在洪氏电影看过的。母亲给了即将远到加拿大的儿子自己积攒的6800美元，并且母子二人内牛满面。这种看上去有点狗血的情节在洪氏生活流的处理下如此真实和平缓，两位演员的母子气场很合拍，可以说是本片的一大异色亮点。此外还有一些母子亲情互动的细节描绘极为精彩。第一个是红色的帽子，导演送了一定红色的帽子给母亲，后来却发现自己所追求的女人的男友也戴着一顶一样的。第二个是暴露的衣着，导演总是嫌母亲总是把肩带露在外面极为不雅。第三，妈妈打儿子，导演因为衣着和母亲发火，母亲一气之下在众人面前用塑料衣架大儿子的腿，旁人看来是脉脉温情。

本片还是洪尚秀的床戏场面及其节制的一部。大多数他的作品中的床戏尺度都很文艺，尤其是前几年的片子其文艺尺度更是直白到残酷。到了海滩的女人一片中男女情爱场景大家就穿着衣服，到了夏夏夏，就只剩下盖着毯子说一些情绪激动的傻话了。我认为洪尚秀在这部片子里面有点转型的意思，因为片中的男男女女有点趋于正常了。导演从头到尾只追求一个女人并且还求婚，弄得好像非常勿扰的秦奋与梁笑笑。影评人从头到尾也只有一个女人，两个人吃西瓜喝咖啡参加读书会，最后还勇敢的和这个小三在车上接吻。诗人倒是中间换过人，不过一开始换过了之后在结尾留下了破镜重圆的伏笔。片中的各位好像都在这次旅程中变成了痴情的男子，莫非真的都是因为走过了那道旋转大门？

片中的三个男性角色，导演，影评人，诗人和诸多女人形成了复杂的关系网络。母亲，前女友，情人，旧爱，新欢，没出现的妻子，各种关系需要画图才能分析清楚。这些当然要留给观众自己去发掘才有趣。各路大明星在片中发挥自如，一如既往的发挥了洪尚秀影片在演员演技方面的特色和优势。这么多大牌不要钱来给导演捧场，观众自然也看得津津有味。特别是扮演导演母亲的尹茹贞，演技了得。总之本片的个人特色让人看后会上瘾，看了还想看，看了还想看，看了还想看。

对高群书导演的高期待来源于对其以往作品的信任。中国内地影视对于警匪题材的缺乏似乎很无力，而很多人都把它归结到政策因素上。但是，好莱坞的警察抓坏蛋拍了这么多年，如果抛开黑色电影，经典作品也是屡见不鲜的，更何况还出了好些大师。洛城机密，盗火线，普通嫌疑犯等佳片长期登录央视六频道。国产警匪片似乎在电视荧屏上更火爆一些。九十年代的时候我们都还记得有很多好电视剧，比如有一个开封文物盗窃案的电视剧还上了中央台，一时间万人空巷。还有陕西西安的什么杀人案，彪悍的凶手和警察都说陕西话，听上去简直屌死了。还有杀人好几个抢钱数百万的白宝山，让那个演员红透大江南北，这辈子接不了别的角色。可惜到后来有关部门开始遏制此类影视剧，于是警匪片开始走下坡路了。可见创作的土壤是多么的珍贵…此处省略一千字。

高群书导演也是警匪片出身，此处不得不提他早年的命案十三宗系列电视剧。如果还有机会能够找到这部电视剧的一定要看，在此强烈推荐。该剧具有一种非常难得的兼顾作者风格和商业卖点的特质。该剧根据石家庄某监狱的一些犯人所供述的自己的犯罪经历的改变而成，乍一听有点像某些法制栏目拍摄的情景再现栏目剧。其实他们的故事非常简单，真的和法制栏目上所播的那些故事没什么两样。该剧的看点，就是高群书强大的导演气场和一群可遇不可求的演员。有些场面和桥段甚至堪比基耶斯洛夫斯基的杀人短片，但因为该剧年代久远，也因为篇幅不能详述，在此省略一千字。

后来高群书还拍摄了一部影片千钧一发。该片在奖项上有所斩获但不知发行效果如何。这是我认为高群书目前为止最好的作品。我认为如果他这样发展下去会成为中国的梅尔维尔。可谁想到后来一部东京审判让我打了个冷战。也许是因为这个题材太大导致限制太多，所以东京审判在朱孝天出场之后便毫无张力了。再之后的风声因为陈国富参与的因素，加上该篇评论已经很多，在此省略一千字。

那么这一次在西风烈中他给我们带来了什么呢？首先我觉得从品质上来说，西风烈要比千钧一发差的星级差了一颗半。先说说那半颗，就是差在了导演上。

该片分为以下几个部分。夏雨杀人，警察追捕夏雨，坏人出场，坏人与警察抢夏雨，夏雨让坏人去救杨采妮，警察与坏人抢杨采妮，夏雨逃跑和警察坏人火拼，警察回到警局与坏人最后决战。在高群书的加工之下，该片的这八个段落就像糖葫芦一样串联起来，每个段落都是打斗，中间是休息和聊天。全片对白很少，大部分都是真打实干，可即使就是这样也难以掩盖台词的底下质量。所以观影过程就是打斗，休息，打斗，休息。简单而又暴力，智慧程度严重不及风声。基本上只看剧本你就会觉得这个片子完蛋了。

其实从千钧一发就可以看出，高群书是个影像型导演。此类导演在故事上也许毫无建树，但胜在影像创造力。

西风烈的打斗段落真的让警匪片影迷过足眼瘾。影片的激战段落不仅量大，而且质感十足。高群书深懂类型片就是要屌，所以场面设计在国产片中真的做到了前无古人。重点值得表扬的就是追车戏。影片开篇就是一场小追车，此处主要展现的是吴京的倒车技能。之后是四大名捕追夏雨，个人特长在此展现。重点是影片中端警察和反派的大追车，吉普车和大卡车在荒漠戈壁展开狂飙。倒车对峙的设计令人脉搏破表，汽车冲撞场面也是下足血本，感官冲击十足。影片大量的枪战场面基本以写实为主，不过新意不大。最后的决斗也是标准的西部范，只可惜太过短暂，加上警察耍赖，略有遗憾。

西风烈号称是西部片，片子的大部分都是在荒芜人烟的戈壁滩拍摄，最后大家冲进了一个边陲小镇的地方。总之从人物造型到场景设计简直是无处不西部。该片从画面上几乎无可挑剔。摄影师杜杰原先帮宁浩拍片，估计在无人区一片中对西部影像感觉良好，此次再进戈壁更是轻车熟路。缺憾在于：在千钧一发中聚集起来的高群书式镜头不复存在，乍一看还是太像宁浩的片子。如果导演能更好的贯彻自己的影像观念，本片会更上一层楼。这个缺憾算作是导演的缺憾，这半颗星对于普通观众来说也没有太大影响。

和千钧一发相比损失的另外一颗星，就是演员。不知道是不是华语片男演员真的难以寻找还是影片运作的限制，西风烈一片中的男性角色基本上都沦于平庸。

有人说西部片之所以是西部片是因为约翰韦恩，也有人说是伊斯特伍德。不管哪种说法都从演员这个角度说明，如果缺少某一类型的演员，那这种类型片便也难称其为该种类型。约翰韦恩在西部片中不是别人，他就是约翰韦恩。然而可惜的是，中国没有约翰韦恩，只有葛优。毫无疑问葛优之所以是中国男演员中的票房号召冠军就是因为他甘愿让自己走类型化的路线。很多演员怕自己被定性，可是却不知道变来变去只会让观众记不住自己。此话题有点跑题且论述复杂，在此省略一千字。

回到西风烈。片中四大名捕，段奕宏，吴京，倪大红，张立四人看上去特色十足，然而除了他们每个人的绝技和身份，人物性格基本上连脸谱化都没达到。不要解释说是因为人物太多笔墨分散，只能说是导演人物刻画功力未到。玩具总动员3中如此多的新加入角色，却几乎每一个都有独立个性，仅出场两次加起来镜头不过30秒的方法派演技的刺猬便是创作者人物塑造能力的明证。再看反派，余男还算是比较令人印象深刻，可能也和片中女性角色稀缺有关。可是片中这位冷酷女杀手被指责心有恨意，不够专业，不知道是为什么。另一反派吴镇宇让我觉得基本失败。也许导演看上他是因为他的的确确有一股邪气，可是从各方面来看好像也就仅限于演员本人那一点点气质流露了。最后是夹在中间的夏雨和杨采妮。杨采妮戏份较少功能就是负责抓住观众的同情心和负责尖叫呕吐，功能上算是及格。夏雨彻底沦落为肉喇叭，仅负责大吼大叫。只有他和杨采妮在洞中相拥的一场戏算是能打动人，别的就没什么可说的了。

四大名捕中除了倪大红和余男，别的主要角色之所以沦为平庸除了导演塑造的功力问题还有演员本身的问题。有人说电影看的就是那张脸，不然为什么布拉德皮特演技这么好却还要为饰演本杰明巴顿每天花长时间化妆呢？从某种程度上说，影像是不会骗人的，不像就是不像，影像不是绘画，不能在似与不似之间。片中这一众男演员，真正能做到放在人群中一下子就能认出来的，还真的就只有倪大红。也许是段奕宏吴京夏雨等人太帅，所以彼此相互冲销了张力。个人认为在选角上的平庸直接导致了该片在这一方面严重不如千钧一发。虽然高群书在那部片子里面只给了主角老鱼十个左右的能看清脸的特写，但给人的印象还是要比西风烈中那几大型男无数的特写要深刻。

总之，西风烈是一部风格鲜明的作者商业片，演员方面的遗憾和故事的薄弱会让它毁誉参半。只是不知道票房的走向最终会如何。就导演高群书来说，他应该记得有人曾经告诉过所有想真正拍自己理想中电影的导演们：Keep Low Budget。我想大家都明白这是什么意思，所以此处省略一千字。

好久没有看片，现在连看这样的小片都能吊起我十分的胃口，谢谢各位状态帝捧场。在此还是要友情提示各位，指甲刀人魔真的就在大家的身边，请各位小心提防才是。

这年头流行一句话“你认真就输了”。这句话几乎覆盖了现在这个时代的各个角落，以至于对这句话本身认真都变成了一件会满盘皆输的事情。那么对于指甲刀人魔这件事情呢？从上下两集整体来看，指甲刀集团的策划过程以及对象的选择无疑是亮点中的亮点。

生活中我们总得对一些事情认真。就好象我最初来年大学的时候，对于拍戏这件事情所报以的态度就是一群人聚在一起很好玩而已。后来一步一步的认真起来，发现这些玩玩的东西可以影响到别人的时候，自己从意识深处也就开始严肃对待了。周俊伟一步步地走入了指甲刀人魔的圈套，最怕的也就是认真二字（当然有人笑他是太过单纯）。

影片的前半部分一直都在从男主角的角度来讲述，意图限制观众的视角和所接受的信息，被周迅一步一步的灌输进指甲刀人魔的概念。与此同时导演也利用周俊伟的查证过程，让他在情感上和理智上都逐渐认真起来。然而值得注意的是，影片面大部分时间都没有真正让观众看到吃指甲刀的完整过程。一直到周俊伟亲眼看到周迅吃指甲刀的那个完整长镜头，才算是带领观众见证了指甲刀人魔的真实性。于是，上半集的第一部分悬念就此揭开，原来指甲刀人魔是真的。到了结尾那句他相信了，又翻开了新的悬念。

下半集一开始就告诉观众这其实是一个骗局，悬念又被集中到了这群人能否成功周俊伟会如何被骗这件事情上。正如我们所预料的，这个可怜的科幻宅男转了帐进了货开了店，最后悲剧的相信了铁中毒。

但是导演留了一笔。

在展示骗术过程的时候他们尝试过各种材质的指甲刀，也用过小机关来制造吃下去的假象。这些近景小魔术似乎都已经被刘谦普及过了。但是值得注意的是另外两个细节。第一个是在闪回周迅和周俊伟一起吃饭的那场戏里，周迅有一个把指甲刀在盘子上旋转过来的动作，这个镜头所配的音效是金属与盘子摩擦的声音。抛去导演耍流氓的因素，如果我们相信这个音效是真的，那么这个指甲刀也是真的。再看周迅吃下去的那个镜头也是没有破绽的，至此我们姑且相信，周迅的确是指甲刀人魔。

第二个细节是影片最后，手机链上面的那个指甲刀不见了。周迅曾经说指甲刀可以吃但是链子不能吃，那么在这里这个留下的链子是什么意思呢？就像盗梦空间里面的那个最后旋转的陀螺，这条手机链上面的指甲刀是被周迅拿掉了还是吃掉了呢？

想来想去才发现，对于这部电影过多过于严肃的思考和讨论是会让人输的。我们天天都在上当受骗，身边不是传媒就是演员，他们都有策划精良的剧本。换个角度来说我们自己也在做这些事情，让客户上当。

这期间两部古装大片互相打架，但是从我周边的评论来看，好像剑雨略胜一筹。不过我倒觉得都是矮子里面拔高个，剑雨的核心还是变脸，吴宇森的老把戏。不管是狄仁杰的政治阴谋论还是剑雨的江湖儿女情，都要拿易容术做文章到底是不是一种巧合呢？呵呵。

江湖上卧虎藏龙

很多人都把剑雨和卧虎藏龙相比，而且其答案就是比卧虎藏龙差了一些。我觉得主要是同为台湾导演，且都有杨紫琼这张熟脸让大家把这两部片子联系了起来。当年一部卧虎藏龙有了太多话题，成为华语武侠片的标杆，算是占尽了天时地利人和。天时乃是当时的武侠电影正处于低迷期，大家都觉得现在拍武侠电影肯定要赔钱。可是就是这个节骨眼让这部片子蜚声国际，算是抢占了好时机，也让人佩服导演和制片人的眼光和胆识。再看剑雨诞生在这个华语电影大片泛滥的时代，武打片一年好几部，观众对于同样的题材已经有了相当的疲劳，这也是从时机上导致其票房不如预期的原因。地利方面，卧虎藏龙费尽心机占据了华语区和国际市场，可谓两头得力。剑雨虽说也是国际大导演监制，也融会了国际明星，其中还有韩国当红男性郑宇成担纲男主角，可是制片方好像也并没有要这部片子在国际上如何如何的计划，鸡蛋全都放在了华语市场这一个篮子里。最后也是最重要的因素就是人和，这一点其实并没有太多可比性，因为每个人的创作都是不一样的，公平的来说艺术作品不应该这样比较。可是从商业角度来说，面对卧虎藏龙一亿多美元的票房，剑雨的制片人和导演多少还是有些心有余力不足。

也许从一开始，剑雨就注定不能成为华语武侠片标杆，但是它还是可以成为一部票房口碑都优秀的作品。核心来说，还是故事和讲述故事的方法。

相比卧虎藏龙，剑雨的故事有些复杂到凌乱，或者说本末倒置：配角人物脉络清晰，主角和重要线索人物却莫名其妙。细雨和张人凤的关系，和开始那个僧人的感情线索都显得很后现代，完全不明白这两个人为何来电。反倒是余文乐大S戴立忍王学圻他们黑石帮派的来龙去脉非常清晰，每个人物都有出彩的细节，动机虽说有点累但是也情有可原，让人印象深刻。

至于讲故事的方法上，卧虎藏龙恪守传统的简洁之美，剑雨则似乎在追求炫目的效果，结果导致一些桥段节奏失控，呼吸吐纳带有了过于文艺的气息，令人昏睡。两个时的片长中间有好几个地方都显拖沓，比如余文乐回家吃面条什么之类的完全可以用更简单的手法交代，黑帮内部的那场火拼也用了太多的笔墨，导致最后的决战有一种小儿科的感觉。还有导演花了大量时间交代的细雨与僧人的莫名其妙的感情，都如隔靴搔痒。

君又见夺面双雄

吴宇森这一次的变脸可比上一次要多出来一些花费。上一次是尼古拉斯凯奇和约翰特拉沃尔塔互换。这此却是从林熙蕾变成杨紫琼，从郭晓冬变成郑宇成，一下子就多出来请两个明星的钱。难道说，他有变脸癖？

好像只要牵扯到变脸就会牵扯到什么自我身份认同这样的蛋疼命题。是啊，江湖险恶要想活下来恐怕也只能换一张脸了，仿佛剑雨是要告诉所有韩国观众，整容乃是我们中华民族源远流长的传统美德。这个片子里面的易容可以和狄仁杰相比较一下。狄仁杰可以看到易容的过程，剑雨只能看到易容的结果；狄仁杰只能看到两个明星，剑雨却可以看到四个明星；狄仁杰里面的易容是自己就能变，剑雨里面的易容则需要医术高超的李鬼手，且花费不菲。在相比夺面双雄里面吴宇森给我们展示过的那个充满了科技感并把变脸过程扎扎实实影像化的特效变脸场面，这两个片子的确不是一个档位。当然狄仁杰是要吃亏一些，因为变脸的特效实在不太精致，有点像数字媒体艺术学生作业，而剑雨采用了医学手段，还是直接告诉你结果，算知道扬长避短。

最后有很多人都把我愿化作石桥，五百年BLABLA作为刻骨铭心的签名，可是我觉得令我印象最深的台词还是：你不是不行，而是没有。

从影片的宣传来看，本片应该定义为徐克导演的狄仁杰题材古装侦探片。于是我们就可以很快梳理清楚本片应该具有的一些元素和导演的玩法。

侦探与罪案

出了人命侦探来调查，最后查出了一个惊天大阴谋，凶手竟然是身边的人。这大概就是这个类型影片的套路了。既然是类型，就只需要把不同的元素套进公式里。侦探＝狄仁杰，人命案＝人体自燃，大阴谋＝颠覆政权，凶手＝多年故友。如果故事就是这么无聊，那么这些角色由谁来演就是此类型下仅存的看点。刘德华千年不变的帅，刘嘉玲千年不变的风华绝代，梁家辉千年不变的实力，都不令人感到意外。反倒是内地的演员，李冰冰和邓超，因为敢于突破自己的固有形象，令人印象深刻了许多。李冰冰造型多变，既能耍刀弄枪又能宽衣解带；邓超以白面捕头造型出场，飞檐走壁性格暴戾。不知道是不是因为牌不够大所以比较听导演的话，敢做贱自己。

一个侦探形象如何才能倾倒众生？看看古今中外的那些神探和演员，比如福尔摩斯，亨弗莱鲍嘉，当然还有黑猫警长。不管他们是老是少，是男是女，令观众着迷的永远是他们在调查案件中展示出来的东西。我们在来看看刘德华带给了我们什么？答案是鸟。除了那个叫做证据的鸟，他就只是刘德华而已。也许是我不喜欢在天下无贼里面给刘德华配音的那个人再次出现在通天帝国里，我觉得刘德华这次令我很失望。对侦探失望了，这个片子也就难以撑起来了。

罪案部分更是无趣。除了人体自燃的特效稍显精致，凶手很明显就是梁家辉了。倒下的佛像是个囧办法，不过好像卖的就是这个效果。看了字幕发现很多特效出自韩国人之手，所以我怀疑制作自燃效果的人曾经也做了一个叫做蝙蝠的韩国片。

徐克与古装

深海寻人好似徐克的败笔，但是就搞怪来说的确还没人能搞过徐克。不过随着年龄的增长，徐克的想象力好像越发变得沉重了。蜀山和青蛇里面人可以漫天飞舞，美术方面也追求飘逸感，纵然是以写实为主的黄飞鸿系列也不乏大风吹动彩旗飘飘的的镜头。可是狄仁杰却因为年迈显得越发的沉重，看完之后毫不畅快淋漓，只觉无趣。视觉特效比拼不过好莱坞，多出地方看出破绽，唯独美术方面亮点不少，建筑的空间结构玩出了不少花活，对概念的贯彻从始至终，应该是砸下了本钱。

黑色电影这种东西听上去很酷。作为欧美电影的一种重要的类型，历史悠久的黑色电影现在似乎已经很难在欧美地区开拓新的空间了。有人说黑色电影在梅尔维尔和雅克贝克之后就已经灭亡，今天的影迷们也只有在影展上才能回味这些大师的纯正黑色快感。然而，当今影坛仍然有一些创作者在使用黑色电影的元素和手法来推陈出新，并且获得了一些成就。特别是在华语影坛。

因为各种原因，华语电影似乎没有黑色，只有谍战。但是2007年一部名叫色戒的电影，却惊人的把中国现代文学和欧美黑色电影结合到了一起，并且在诸多方面有着非常高的水准。梁朝伟在片中可谓是亨弗莱鲍嘉再世，汤唯也华丽绽放，塑造了一个非蛇蝎美女系的黑色电影女主角形象并且一夜成名，李安荣登金狮，再次成为华人之光。

说这些，其实都是为了谍海风云做铺垫。但是说到底，谍海风云除了有几个主要演员是中国人意外，编剧导演及其他主创人员都是外国人。也就是说，在华语片与黑色电影混合类型的程度上，本片并不及色戒。李安是接受美国电影教育的华人，似乎天生就比较适合做这种两边通的片子。于是借张爱玲的故事，套上黑色电影的外壳，色戒就像是一道外焦里嫩的中式大菜。表面上是硬脆的，内在是柔软的。影片的观影享受是多重的，并且层次和走向都非常精准。

而本片则是完完全全的好莱坞作风。黑色电影起源于美国，虽然后来在法国发迹，但是美国人却不会像法国人那样把黑色电影变得那么文艺范。谍海风云里面的好莱坞式大场面一个也不少。上海的码头，闹市，赌场，舞厅，车站，还有在这些地方的凶杀，追逐，爆炸，都可以让你看过瘾。但是说回到影片的情节，虽然基本上严格恪守了黑色电影的套路和模式，但是由于影片始终是从美国立场来讲述，造成了观众带入感不强，戏到后来虽然步步紧跟，但也难以让观众产生共鸣了。

于是影片就只剩下了华丽的摄影美术和音乐。本片摄影师本诺德尔霍姆乃是文艺片出身，其代表作均是与陈英雄合作的青木瓜之味，三轮车夫，还有蔡明亮的你那边几点这种片子。不得不说本片在摄影方面即便没有登峰造极，也算是出类拔萃了。片中诸多场景的运镜和光效很明显是做了相当多的功课，非常完美的融合了黑白片和彩色片的观感。尤其是占据影片大多时间的夜戏场面，让人感觉回到了黑色电影的黄金年代。当然，美术自然是功不可没。虽然美术指导并不是中国人，但是不知道是因为钱多还是怎样，场景的精确打造和服装道具的细腻程度年代感十足。片中的一大看点就是巩俐奶奶的造型，除了某些部位依旧突出好象是延续了黄金甲意外，其余的部分将这个角色的复杂性和巩俐本人的神秘气质混合的非常到位。

可是除了对那个逝去的年代的记忆，影片看完之后几个小时我就把它忘了。不知道这部影片能走多远。也许在中国观众看来这个从美国角度讲述的故事并不能吸引他们进去，而美国观众也不一定会对发生在珍珠港事件之前的这些东西产生兴趣。于是两边不靠的谍海风云最后只能在沉溺在黄浦江底了。

最后还有一点不满的，发哥在里面有几场戏似乎回到了当年小马哥持枪横扫一片的神采，只是戏份太少，比配角还少，有龙套的嫌疑。

十年前，一部纯电脑制作的动画片开创了动画新纪元。热门从此记住了两个名字，玩具总动员，及其创造者皮克斯。十年时间动画电影搭乘3D的快车更是风头正劲。玩具总动员在十年之后正式推出的第三部必然是万众瞩目。相信看过之后你会说，太棒了。

玩具故事再升级

胡迪，巴斯光年，弹簧狗，弹头…这些熟悉的角色重新回到大银幕，老朋友再次见面令人感觉分外亲切。皮克斯这会可没有把续集电影拍的像其他三部曲那样，一部比一部令人厌烦。完全相反的，我认为玩具总动员系列在某些方面可以和特吕弗的安托万系列相比。

特吕弗电影中的安托万从问题儿童开始，经历了四百击，偷吻，爱情长跑，床笫风云这一系列电影。其最大的特点就是特吕弗在几十年中使用同一位演员来扮演安托万。真实生活中的演员李奥和银幕上经历了童年少年青年和中年的安托万简直人戏部分。可以说安托万系列真的是用生命创作出来的电影。

而玩具总动员也是一样。十年的时间，安弟从一个小男孩成长为一个即将迈入大学的青年，那些玩具对他来说该怎么办？同样的，相信当年看玩具总动员的大小朋友们经过十年也一定感慨万千，在经历了成长之后我们如何彼此面对？于是这第三部作为续集的意义便绝对不同于其他连拍三部甚至到了第四部还不肯罢手的某些影片。

每一集都会有新的角色加入，这一集当然不例外。从海报上我们就可以看出草莓熊和芭比娃娃的男友肯便是新加入的角色。至于他们之间会怎样，我还是不要剧透了。只能说，这几个人身上的戏的精彩程度绝对会让你满意。

不只是玩玩而已

其实在这个系列里面一直贯穿着一个主题，就是这些玩具们的自我认同。从胡迪到巴斯光年，都经历了这样一个过程。当他们知道自己只是一个玩具，一个被大批量制造出来的工业品的时候，原先的幻想便破灭了。这是非常残酷且深刻的，好在我们在皮克斯哀而不伤的故事里面反倒发现了很多令人满怀希望的东西。其实，这也是人成长的心理过程。当然如果十年过去了你还在谈这些，那观众就会看不到你的进步。于是如果我猜得没错，第三部做为终结篇，就必须好好的把这个问题圆满解决，同时还要加入更多新的东西一并探讨。

于是，影片中的大反派XXX便出现了。此君因为彻底认清了自己的玩具本质，而产生了邪恶的念头并付诸实践。于是导致了一系列悲剧。整体来看，玩具总动员实际上是一个政治斗争的影片。该片描绘了一个专制的集权是如何走向灭亡的。而灭亡他们的便是真正代表广大玩具利益的胡迪巴斯一伙。

说到这里好像严重了，一个玩具片和必要搞得这么多敏感词呢？更何况皮克斯的口味向来是很清新的，即使是最后大反派被推翻了，也没有向现实世界一样搞得头破血流。玩具世界的阶级斗争是非常和谐的。

皮克斯不是第一次用3D，飞屋环游记已经做得相当出色了。玩具总动员的3D化让影片观感再次提升。追逐场面和动作戏在片中非常多，节奏非常完美。在最后一分钟营救之前，当我们可爱的玩具们即将跌入焚化炉被毁于一旦的时候，他们默默地凝视对方，拉起了手，共同面对即将到来的毁灭。这个时候在场每一个观众的心都被深深地打动了，虽然我知道皮克斯不会用这样的方式结束这个系列，但还是忍不住想，如果真的这么做了，那我也很高兴皮克斯愿意用这次的悲剧来转型。

在如今英雄好汉纷纷跌下神坛的世代，当年那个奥斯卡大满贯的莱德利斯科特和罗素克劳这一对黄金搭档能否再次扬威，似乎成了罗宾汉这部影片的唯一悬念。即便有凯特布兰切特加盟，影片依旧难以改变类型片套路导致的观影疲劳。最终由于超长的片长，昏昏欲睡的我终于在最后败下阵来。罗宾汉这部影片也许会是莱德利斯科特和罗素克劳作品列表上最会被忽略的一部。凯特布兰切特？人家有指环王和伊丽莎白呢。

遥想当年角斗士这一英雄传奇成就了多少人？横扫奥斯卡最佳影片和导演表演奖项不说，技术奖项的独领风骚也让这部大片成为了留名影视的票房口碑双赢佳作。可是现在，从商业角度来讲，该片在技术与创意方面均属中庸。没有3D和 IMAX撑场，没有天马行空的创意改编，很让人怀疑此次这两个人联手是为了重温旧梦还是想再掀新浪潮。当年角斗士在技术上可谓是几近巅峰，可是反观罗宾汉里面的场面，依旧是斯科特风格的原地踏步。在逆水行舟不进则退的商业竞争中，斯科特导演可要下不为例了。

当然，有人说角斗士和罗宾汉本不是同一类人，拍摄方法自然不同。是啊，但他英雄史诗这个框架仍旧没有能够逃脱。就像陈凯歌被笑成只会拍京剧片一样，现在已经不是那个一个导演一辈子只拍一部电影的年代了。文艺界的阿巴斯开始启用朱丽叶特比诺什，洪尚秀不再玩结构主义，这些文艺导演尚且能够求变，商业大导们更是疯也似的追求新意和噱头。电影不是复制而来的，角斗士再牛也是过去的。如果斯科特和罗素克劳两人想复制当年的成功，那么对不起，请穿越。

还有凯特布兰切特呢？对不起，她的任务只完成了一半。影片的前半部分，她还是作为一个独立个体存在的。后半部分就被导演强迫与罗宾汉产生了爱情的火花，这与强奸几乎没有两样。为什么商业大片里面的男女明星一定要搞在一起？人家两个人明明不来电，为什么还要再临送别的时候接吻？最后的时候这位平民女子还带领一帮山贼杀了出来，顿时我就被雷到了，难道是圣女贞德又出现了吗？尽管最后在海滩边上和森林里二人惺惺相惜，但是他们仍然无法面对这份毫无理由的爱情，或者说其实是一夜情。麻烦请导演给出他们相爱的凭据。如果硬要说这份爱情只是一种感觉，那么对不起，请多加一点戏份。

严格来说，本片应该叫做罗宾汉前传。众所周知的罗宾汉故事是属于绿林好汉系的，然而斯科特导演此次却采用了他成为绿林好汉前的故事，来告诉观众罗宾汉是如何成为罗宾汉的。平心而论罗宾汉的发家史其实并不光彩，说他是个反英雄倒是还更恰当一些。斯科特虽然撒了狗血，但是讲述这个人物的成长过程的叙事还是很扎实的。是因为罗宾汉之后的故事太过出名，拿出来再拍就是吃别人嚼过的馍，没有观众愿意买票。于是采用这部分故事就变成了一箭双雕：既吸引观众，又给续集留下了气口。可惜本片在今年戛纳电影节开幕时候的评价就不高，能不能赚到钱拍续集还真就得两说了。

世界杯开幕式的时候大家都希望前总统曼德拉能够出现，可惜因为车祸悲剧他没有能够前来。但是到了克林特伊斯特伍德的影片成事在人（INVICITUS）里面，摩根弗里曼扮演的曼德拉穿着南非的队服（当然是橄榄球队服）出现在爱丽丝公园体育场的时候，你绝对会感到一种无法抗拒的强大气场在感染你。老牛仔伊斯特伍德显然是电影业界的大师，他处理影片的方式相当的老辣和沉稳。演员都愿意接他的戏，因为希拉里斯万克获得奥斯卡影后，安吉丽娜朱莉获得提名都证明了，伊斯特伍德在表演的把握上能够让演员把自己发挥到无人能敌的地步。所以这一次摩根弗里曼和马特达蒙的老少合作果然是擦出了不少火花。摩根弗里曼的奥斯卡提名就是证据。

曼德拉与皮纳尔

为了民主曼德拉坐牢27年，当上总统后南非的白人都觉得自己要完蛋了，曼德拉肯定要像当年白人整黑人那样整治白人。于是身为橄榄球队长的皮纳尔十分紧张。然而通过与曼德拉的接触，他逐渐认识到宽容和接纳才是真正可以改变糟糕局面的唯一途径。于是作为队长他带领着队员们一步步的前进，在曼德拉的亲切关怀和鼓励下，他们最终在世界杯上获得了冠军。

关于曼德拉的影片很多，但是这一次扮演曼德拉的摩根弗里曼是主动要求出演，他说在自己的演员生涯中一定要扮演一次曼德拉。这次主动请缨还担任了联合制片人的角色，可以说是不遗余力的想拍好这部片子。于是与伊斯特伍德的强强联手一早就引起了广泛的关注，可以说是早早的就预定好了奥斯卡提名名额。而马特达蒙从文艺青年转型动作特工之后成为了一个全世界都认识的人，但是在这之后他却有所控制，在索德伯格的影片告密者里面扮演了一个肥胖的跨国企业高管诈骗犯之后演技被老牛仔看好，出演橄榄球队长。可是达蒙从未打过橄榄球，为了这个角色他做足了功课。勤奋练习球技的同时还不忘塑身，以运动员的强壮体型出现在片中。

这样的老少配在商业卖点上就已经十分惹眼，有了好演员就看老辣的导演怎么拍好戏了。

黑人与白人

如果伊斯特伍德把这部影片定义为一部商业片的话，那我认为他非常的成功。影片反映的种族问题在全世界范围内都存在，在非洲这更是一个非常复杂的问题。可是伊斯特伍德之老辣，就在于他知道如何很好的把握一部影片的分寸。对于种族问题，导演在影片中的处理方式是四两拨千斤。曼德拉身边的保镖便是他解决种族问题的一个非常好的缩影。我们从他对待保卫部门工作的态度和解决问题的方法上便可以看出他对于整个南非种族问题的治理方针。在这一点上导演是以小见大，用一处情节浓缩整个主题。

于是，从商业片的角度上来说，本片没有把种族问题的复杂化深入的探讨下去是正确的。你要满足更多的观众，就自然要把一些问题简单化的灌输给观众。曼德拉在影片一开始解决的就是种族之间的宽容和解问题。影片的开场戏就把这些东西简要作了介绍。比如在一条马路的两边分别是黑人和白人的小孩这一系列镜头，就揭示了种族之间的隔离，贫富的分化，黑人与白人的互相不理解，政治观念的偏差，以及在种族问题上比较激进的人的态度。总之黑人和白人之间的互相仇恨，导致了双方的恐惧。

曼德拉一上任就面临的这个大问题在一步步的处理过程中被橄榄球这件事情所取代了。也许是一次偶然的机会曼德拉在观看橄榄球比赛的时候留意到了种族情绪可以用体育比赛这件事情来解决，而刚好他们要办世界杯。于是在这一年的时间里，约见队长，组织各种公关活动就被提上了日程，为的就是能利用橄榄球队在世界杯上夺冠这一事件唤起全南非人民的团结以及黑白族群之间的相互谅解。于是，在片中曼德拉的秘书在车里问他，你这样做是不是为了政治，曼德拉犹豫了一下，说这是处于人性。

影片对于这个问题的探讨最深刻的地方也就在这里了，政治是否能够利用一切。当然处于这一点也是无可厚非，这个话题也并非影片的主题。这部电影是典型的把复杂的事情简单化的影片，这就是他在商业上成功的点。所谓的种族问题到了影片的最后就被不知不觉的转化成了，南非跳羚队能否夺得冠军这一悬念了。看到这里我想谁都能看出来，本片已经到了体育励志片如何都跳不出去的地方了。就算是灌篮高手和飞车正传这种到后来输掉了的结尾，都一定要告诉观众主角赢了。

不过好在伟大的伊斯特伍德导演没有被后现代主义的那一句，要是认真你就输了，这句话所欺骗。他认认真真地调动每一个镜头，扎扎实实的用坚贞的信念给我们讲了一个打动人心的好故事。片中有一首诗，清晰地点出了影片主旨，并且相信会激励每一个观众。在此引用如下：

我感谢冥冥中的神

赐我不可征服的灵魂

我是我命运的主宰

我是我灵魂的统帅